分析具象艺术、意象艺术、抽象艺术的特点？

先知道什么叫做意象，抽象，具象，艺术。

简单的说：

1，一看就知道形象，马上能联系到你所有的经验记忆，外形十分相似，“有具体的形象”就叫做具象，以真实再现客观形象为主，比如安格尔的《泉》一类的。

2，脱离外在形象，把形象统统抛弃，只留下人为认识的几何形态或者精神理解的，与现实的东西有联系，但是并不以形象的相似为联系，就是抽象，比如杜尚《下楼梯的舞女》，毕加索《亚威农少女》等等。

3，意象，以人的感情来掺入客观现实，对客观现实进行有取舍的改造，保留一定形态，却又明显有人为的因素，最终而形成安详的艺术效果，就是意象。比如，所有的水墨中国画都是意象。

4，艺术。古人云：“技进乎道。”技，就是技术，技法。道，这里可以理解为人文。技进乎道，那就是把技术上升到人文的高度，用技术来表现人文，叫做艺术。比如，绘画，书法，音乐，舞蹈等都是艺术，因为有完备的技法体系来表现不可取代的独立审美模式。但是体育项目就不能称为艺术，杂技也不可，因为他们虽然有完备的技术体系，但不能表现人文，至少不能全部表现。比如乒乓球打的再好，也感受不到但强大的人文因素在其中，而音乐一旦入耳，就可以沁人心脾，其中有许多情绪，感情，文化等因素。要注意，假如在体育，杂技，魔术等项目中掺入了优美的动作，情节，可以涉及到文学，音乐，舞蹈，那么他又有了艺术感，但这和完全意义上的艺术还是有区别的。

知道这些概念，你就明白了，所有的艺术都是意象的，因为都是人的感情在掺入，艺术的结果是要返璞归真，是要“自然”的，但是最初的动机却是要去改造，去“破坏”，又是不自然的。因此，艺术是有人为，有自然，而这本身也是意象的，“以人之意为象”嘛。

所以，平常说的抽象与具象的艺术主张不过是从形象是否接近客观世界来判断的。西方人走极端，一般不是写实，就是抽象。不是很像，就是很不像。中国人的艺术一开始就是高度的哲学提炼，提倡有物有我，天人合一，因此是折中了“像与不像”的问题，这也就是齐白石讲的“妙在似与不似之间”。看似很像很生动，其实是抛弃了表面的形象而取其精神，也就是传统文化中说的“气”，这个概念不好解释，你要自己领悟。因为有气而生动，所以尽管颜色差异很大，形体变化很多，但是人一眼就看出其中的精神，这是脱离了“像”的像。

说了这么多，你该明白了，其实无所谓什么像，什么像。这都是人为的给的词语，你只需要理解其中的美，就可以了，非要放入一个什么词语，一种分类中，反而是一种束缚和退步。中国人是从来不讲什么“像”的，这是西方的人观点。高级的认识方法本来就脱离了所谓的分类与定格。为什么呢？用中国人最高明的智慧回答，因为“万物为一”啊！

谈谈对艺术的理解？

艺术这种东西，其实很没有头脑的，因为每个人都不一样，每个人喜欢的东西不一样，每个人的想法也不一样，对于爱好，兴趣，想法全都各不相同，各有所爱的人来说，有些时候，在某件作品或者物品上面，想要有一致的，相同的看法实在是太难了。

而且在不同的时代，不同的环境，对于艺术的看法，其实是有一些不同的，仔细想想，这个世界有多少生前默默无名，不为人知但是死后却闻名世界的艺术大家存在？这个世界上有多少默默无闻突然一鸣惊人的存在？

在这个世上喜欢莫扎特的人不一定喜欢莫扎特，喜欢梵高的不一定喜欢达.芬奇，喜欢油画的不一定喜欢山水画，喜欢山水画的又不一定可以欣赏人物画，抽象派不一定喜欢印象派。

但是不管怎么样，也不管艺术品是什么，在他们眼中，艺术品但是极好看的，极漂亮的，或许是有美感，或许是因为有有意义，不同的作品有不同的欣赏点。

对于大部分的普通人来说，（像我这样的普通人），艺术这种东西，在很多时候，不管是很漂亮还是很有意义，对他们来说都不重要，只要这个东西有逼格就够了。

很多时候，对于艺术品的欣赏，可以用很多行为艺术家们最喜欢的一句话来欣赏“没毛病吧，老铁，双击一个666”。

在长沙的某处小店子上，一个买椰子的地方，一个椰子30块，但是旁边卖椰子的同行，10块钱一个也没有什么人买椰子吃。因为老板的雕工，削工非常好，一个椰子，可以被他削的像个艺术品一样，非常好看。

所以即便旁边的同行的椰子价格很便宜，但是购买者寥寥无几，都在排队等着买高价椰子。其实椰子味道是一样的，同一家货源，没有任何区别，但是结果却是如此的赤裸裸。

就我个人而言，我觉得艺术在于价值，艺术是通过自己的一些操作，一些想法，把原来价值其实不高的东西，变的更有价值。

一张普通的白纸，本身价值很低，甚至不到一毛钱，但是要是这张白纸上面有苏轼写的诗句呢？那就变成了国宝.......

一些零零散散的材料，通过艺术家的手，被艺术家们赋予了新的形态，让人看到了之后觉得漂亮，赏心悦目，或者引人深思，让人略有所都，这都是一种艺术。

这也是我所认为的艺术的本质，通过一些方式，提升物品的价值，不管是抽象派还是印象派，不管是山水画还是人物画，千变万变，不离其中。

不管他们的出发点是什么，结果都是因为他们的付出，让他们所喜欢的东西，获得了认同，提升了价值，在我看来，这就是艺术。

何为艺术？这是千百年来众多艺术家、理论家、思想家不懈探求的问题。

古希腊人将凡是可凭专门知识来学会的工作都叫做“艺术”：音乐、雕刻、绘画、诗歌之类便称之为“艺术”；而手工业、农业、医药、骑射、烹调之类，也属于“艺术”范畴。古希腊人将雕刻绘画之类的艺术与手工业、农业等生产劳动归在一起，可见当时人们对“艺术”的鄙视。柏拉图认为艺术是模仿感性事物，它所得到的只是真正美的“影子的影子”，因此，艺术是微不足道的。

历史发展到今天，人们对艺术的态度不再是鄙视，它已成为人们生活中不可缺少的一部分。人们对“艺术”普遍认同的释义之一是：用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、**、曲艺等。

我以为，该释义中对艺术“典型性”的解释，就包括了它的“难度性”。凡称的上是“艺术”的艺术作品，都应是作者在跨越了较大难度后才得以创作成功的作品，而决不该是信手拈来或是一蹴而就的任何事物；而且，艺术创作的作品应该经得住时间的检验。有一则报道：西方某大国当红“画家”，坐在地上，两只赤脚往盛满墨汁的盆中一涮，然后用它在挂于墙上的画布上乱蹬乱踹了一通，一幅“杰作”便横空出世。由于人们对此印象极其深，便时刻等待着它的后续报道：某年某月某日，世界上顶级拍卖行，以天价拍出此幅“惊世之作”，但不幸的是，人们苦等许多年后，始终未闻此佳音，也不知道那位“天才画家”此后高就于何处。这种毫无难度可言的作品怎么能够经得住时间的检验？许多所谓的“艺术”的作品，追求简单易懂而抛弃了艺术原有的风貌和一定的难度，能称其为艺术吗？

同时，在上述对“艺术”的释义中“用形象反映现实”，表现出艺术具有鲜明的形象性，这也是艺术不同与哲学等其他社会意识形态的根本之处。

文学、音乐、美术等不同的艺术形式都有着各自不同的形象性。文学作品中的形象不能凭感官直接把握，但它通过文字的中介，经过读者的联想与想象得以实现；音乐创造的形象虽不够明晰，不够确定，但它以声音为中介，引起听众的联想和想象；绘画、雕刻等作品中的艺术形象则是视觉形象，是完全明晰的，直接为欣赏者的眼睛所把握。

艺术也是对客观世界、现实生活的一种反映，具有艺术真实性。这种真实性是一种假定的真实，审美化的真实，它根据于客观的实际社会生活，却不是实际的社会生活；即来源于生活但又高于生活。文学作品《欧也妮·葛郎台》通过塑造一个个活生生的人物形象，揭示了资本主义社会虚伪的家庭关系和当时社会的丑陋。这样真实的艺术形象不但再现了客观世界现象的真实面，而且还揭示了社会生活本质的真实，使艺术的形象更加真实、鲜明。

在艺术的创作和艺术的欣赏中，更为突出的表现出了艺术又一重要特点——情感。法国艺术大师罗丹曾说过：“艺术就是感情”。它最深刻不过地揭示出了艺术创作中的一个普遍规律，即一切真正的艺术作品，无不是作者真实情感的产物。真正的艺术品是不可欺世的，真正的艺术品是艺术家充分的表现自己艺术追求的结晶，它的艺术价值是永恒的，给人带来的启迪也是永恒的。

究竟“什么是艺术”？我想，也许谁也无法给艺术下一个准确的、毫无疑义的定义，所以，它也就留给了我们极大的想象空间，任人们的想象自由地驰骋。也许，这就是艺术真正的魅力之所在吧。

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